르네상스 시기의 클래식음악

르네상스 음악이란

르네상스 음악은 다른 분야에서 전통적으로 이해되듯이 르네상스 시대보다 더 늦게 15~16세기 유럽 음악을 말하는 것으로 말합니다. 트레센트 음악은 14세기 초 아르노바에서 시작되는 것이 아니고 음악회에서 나와 중세음악의 코다로 취급하였습니다. 또한 삼화음의 대두와 컨티앵글로라이즈 타입이 영국 부르고뉴 파로 전파된 시대에서부터 요즘시대로 거슬러 올라갔습니다. 이를 위해 편리한 분수령은 바로크 시대 초창기에 바소 콘티류를 선택한 것입니다.

 

 

시기별 르네상스 시대 음악

더 자세하게 연도별로 나눠보겠습니다. 초창기에는 기욤 뒤 페이(1397~1474년)의 경력과 칸틸레나 양식에 맞대어 프랑코 플라망 파가 주도하는 가운데 요하네스 오케헴(1410~1497)과 조스킨 데 프레즈(1450년~1521)가 좋아하는 4부로 구성되어 있으며 그중 이 팔레스티나(1525~1594)와 로마 학교의 꽃과 같은 대극개혁시기이었습니다.

 

중세시대의 제양으로부터 개방되어 음악은 점차 음역, 조화, 리듬, 형식 및 표기법에서 더 다채로운 것이 허용되었습니다. 하지만 그중에서 불협화음에 관해서는 대위법의 규칙이 좀 더 제약을 받게 되었습니다. 이로 인해 르네상스시기의 음악은 개인을 표현하는 방법이 되었습니다. 이 시기 작곡가들은 성악을 보다 작곡가들의 의도가 잘 드러날 수 있도록 표현하는 방법을 찾았습니다. 신성한 음악으로부터 세속적인 음악은 기술을 배웠으며 이는 그 반대로도 일어난 현상입니다. 샹송이나 마드리드 갈 등의 인기 있는 세속형태가 전 유럽 지역에 확산되었습니다. 인쇄기술의 발달 덕분에 음악은 더 편리하게 이용할 수 있어 자급자족을 할 수 있게 되었습니다.

 

 

르네상스 시기 이후  발전하는 악기

르네상스 시기에 현존하는 현대악기의 초기버전의 새로운 형태로 발전하였습니다. 르네상스 시대에 발맞춰 이 악기들도 그에 대응하기 위해 개조되어 음악가나 작곡가가 새로운 소리를 낼 가능성을 보여줬습니다. 현대 쓰고 있는 목관악기, 트롬본, 바순 등의 놋쇠악기도 최초의 형태로 만들어져 음의 색 범위를 넓히고 기악앙상블의 소리를 다양화했습니다. 

15세기 중에는 풀트라이어드 소리가 보편화되고 16세기 후반에는 교회음악이 몰락하기 시작하고 이를 대체하여 기능적인 조성으로 바뀌었습니다.

 

세속적이며 신성한 음악은 르네상스 시기부터 성악과 기악작품, 혼합된 성악의 형식으로 발전하였고 현재도 존재합니다. 르네상스 시대에는 다양성이 커져 대중, 마르디드 갈, 샹송, 인스트루멘탈 댄스, 반주곡, 모테트 등의 여러 형태의 모습으로 발전했습니다. 20세기 후반에는 많은 수의 초기 음악 앙상블이 만들어졌습니다. 르네상스 시대의 음악을 전문으로 하는 앙상블은 현재 음악학자들이 르네상스 시대에 사용했다고 생각하는 노래나 연주 스타일을 사용하고 현대적인 역사 악기의 복제를 이용하여 녹음이나 콘서트 투어를 합니다.

 

르네상스 시대 음악 와 바로크 음악시대의 비교

초기 르네상스 시대 유럽 미술음악은 3악장과 이에 대비되는 반전에 대한 의존도가 높아진다는 점이 가장 큰 특징으로 나타납니다. 이 전에 중세시대에서는 3악장과 6악장은 불협화음으로 생각되었으며 완전한 4분의 1, 완전한 5분의 1과 같은 것이 완전하다고 간주되었습니다. 14세기 동안 여러 개의 독립된 멜로디를 동시에 써서 고도로 독립된 목소리를 냈습니다. 15세기 초부터는 선율이 단순해지며 때때로 작곡가들은 부드러운 선율을 선호하기도 했습니다. 이는 음악의 성역이 대폭 상승했기 때문에 가능했습니다. 

르네상스 시기를 뒤이어 오는 바로크 시대의 음악과 비교하자면 바로크 음악 시대(1600~1750)의 전반적인 분위기로 인해 음조가 발전했습니다. 이에 반해 르네상스 시대 음악의 특징은 5분의 1 또는 4분의 1이 증가함에 따라 마지막으로 갈수록 무너지기 시작하는 것입니다. 이후 이것은 바로크 시대 음악에 탄성을 결정하는 중요한 요소로 발전하였습니다.

 

르네상스 시대 음악의 4가지 특징

1. 르네상스 시대 음악은 모드에 기반하였습니다.

2. 4개 이상의 독립적인 멜로디가 같이 연주되어 화려한 느낌의 음악입니다. 추후에 이는 혼합된 멜로디 라인을  폴리포니라고 정의하였으며 르네상스 시대 음악의 큰 특징입니다.

3.  음악 속  멜로디 라인이 대조적으로 이루어진 것이 아닌 융합된 모습으로 나타납니다.

4. 부드러운 흐름과 코드 진행에 중점을 둔 하모니 음악입니다.

 

르네상스 시대 음악의 주를 이루었던 폴리포니의 발전으로 악기에 큰 발전을 가져왔습니다. 이 시기의 작곡가들이 더 크고 다양한 앙상블을 원했기 때문에 얻어진 자연스러운 결과입니다.

 

 

르네상스 시대 음악의 배경

르네상스 시대의 음악은 다른 예술처럼 초기 근대의 발전에 의해 크게 영향을 받았습니다. 초기 근대 시기에는 인문 사상이 중요해지고, 혁신과 기술의 발전, 고대 그리스와 고대 로마의 문화 예술적 유산을 재 조명하였으며 부르주아 계급의 주목, 상업 기업의 성장, 개신교 개혁등에 영향을 받습니다. 이러한 전반적인 사회 변화 속에서 합일화된 음악 용어, 프랑코 플랑드르 파의 다성 음악 스타일이 발달했습니다.

 

1439년 인쇄기의 발전으로 인해 예전에 비해 더 넓은 지역의 규모로 많은 사람들에게 음악 및 음악 이론 문장을 퍼트리는 것이 더 간편하고 경제적 이점이 생겼습니다. 인쇄기가 발명되기 이전 시대에는 모두 사람의 손으로 음악이나 음악이론 문장을 써야 했습니다. 사람의 손으로 정보를 적다 보니 많은 시간과 비용이 드는 과정입니다. 초기 근대 시기에는 부르주아 계급이 나타났습니다. 이들은 오락이나 여가 활동을 즐기기 위해 음악을 찾고 수요가 증가하였습니다. 유럽의 전반적인 지역에서 모테트, 샹송, 일반사람들의 보급은 다성 연습이 자유로운 스타일로 통일된 것과 일치합니다. 이에 16세기 후반에는 조반니 피에르 루이지 다 팔레스리나, 토마스 탈리스, 욜란데 드 라스스, 토머스 루이스 빅토리아, 윌리엄 버드 등의 수많은 작곡가들의 작품이 만들어졌습니다. 낮은 지대에 있는 국가들의 상대적인 발전과 정치적 안정으로 인해 다수의 대성당과 교회에서 성행하는 음악적 시스템과 더불어 작곡가, 연주자, 가수를 육성할 수 있었습니다. 이들은 유럽 전역에 걸쳐 인기 있었지만 그중에서도 이탈리에서 가장 인기가 있었습니다. 이탈리아의 교회와 귀족 법원에서는 연주자, 작곡가, 음악 교사로 채용하였습니다. 이탈리아 중에서도 베네치아와 로마 등의 도시에서 16세기말까지 북부의  음악을 흡수하여 음악활동하였습니다. 이를 계기로 100년간의 음악역사 차이를 역전했습니다. 피렌체에서 오페라에서 가수가 악기를 반주로 사용하여 극적인 무대장치로 사용하는 것을 만들었습니다. 오페라는 고대 그리스 음악의 재조명으로 인해 발달된 음악입니다.